GESCHICHTEN

Am Anfang stand das Lächeln eines Menschen

Als ich im Kindergarten war, schrieb ich beim Tanabata-Fest einen Wunsch auf einen schmalen Papierstreifen:

„Geigerin werden.“

Das war mein Wunsch.

Doch lange bevor ich wusste, was der Beruf einer Musikerin überhaupt bedeutete, kannte ich bereits die schlichte und kostbare Freude am Geigenspiel.

Wenn ich spielte, lächelten die Menschen um mich herum.

Zu erleben, wie ein von mir hervorgebrachter Klang den Ausdruck eines Menschen veränderte, machte mich als Kind sehr glücklich.

Mit vierzehn machte ich meinen ersten Schritt als Musikerin auf der Bühne, und der Traum auf dem Papierstreifen begann allmählich Wirklichkeit zu werden.

Doch irgendwann war Musik für mich mehr als nur ein „Traum“.

In der Musik frei atmen

Während ich heranwuchs, gab es Zeiten, in denen ich Gefühle in mir trug, für die ich keine Worte fand.

Traurigkeit, Wut, Einsamkeit – Empfindungen, die mir entglitten, sobald ich sie aussprechen wollte, konnte ich den Tönen anvertrauen.

Solange ich in der Musik war, konnte ich den Alltag vor mir zurücklassen und frei atmen.

Die Geige war längst mehr als etwas, das ich übte, um besser zu werden. Sie war für mich unentbehrlich geworden.

Als Schülerin hörte ich Itzhak Perlman. Von seinem warmen, beinahe duftenden Klang umhüllt, fühlte ich mich wie in eine andere Welt versetzt.

In diesem Augenblick spürte ich etwas mit großer Klarheit.

Musik besitzt die Kraft, Menschen aus dem Alltag herauszuführen und ihnen im Inneren eine neue Landschaft zu eröffnen.

Eines Tages wollte auch ich eine Musikerin sein, deren Klang das Herz eines Menschen umfängt und ihn in eine noch unbekannte Welt trägt.

Dieser Wunsch begleitet mich bis heute.

Auf der Suche nach „meiner eigenen Musik“

Nach meinem Studium in Tokio ging ich nach Europa und setzte meine Ausbildung in der Schweiz, in Österreich und in Deutschland fort.

Dort begegnete ich einer Frage, die mein Fundament als Musikerin erschütterte.

Mein Lehrer Pierre Amoyal forderte mich auf, über die Technik hinaus nach „meiner eigenen Musik“ zu suchen.

Eine sichere Intonation, ein präziser Rhythmus und eine sorgfältig erarbeitete Partitur allein ergeben noch keine Musik, die nur dieser eine Mensch spielen kann.

Was hatte ich empfunden? Woran hatte ich gelitten? Was war mir in meinem Leben wirklich wichtig gewesen?

Mir wurde bewusst, dass mein bisheriges Leben und meine Musik noch nicht vollständig miteinander verbunden waren.

Technik ist nicht das Ziel des Musizierens.

Sie ist ein Mittel, um das, was in der Musik liegt, tiefer und freier weiterzugeben.

Ich lege meine eigenen Erfahrungen nicht über ein Werk. Vielmehr nutze ich sie als einen Anhaltspunkt, um mich der Freude und dem Schmerz des Komponisten zu nähern.

Ich glaube, dass eine Musik, die im Heute wirklich lebendig ist, erst aus diesem wiederholten Hin und Her zwischen dem Komponisten und mir entstehen kann.

In den Landschaften stehen, die die Komponisten kannten

Um dem Menschen hinter der Partitur näherzukommen, habe ich die Orte besucht, an denen Komponisten lebten und ihre Werke entstanden.

Das Ufer des Genfersees, an dem Tschaikowsky sein Violinkonzert schrieb.

Orte, an denen Fauré und Mendelssohn einst gingen.

Städte und Häuser, in denen Bach, Mozart und Beethoven lebten.

Wenn ich vor einer Landschaft stehe, die auch ein Komponist gesehen hat, und Licht, Wind, Sprache und Atmosphäre dieses Ortes wahrnehme, hören die Noten manchmal auf, abstrakte Zeichen zu sein. Sie werden zum Atem und zur Erinnerung eines Menschen.

Nach einer Aufführung von Poulenc in Frankreich sagte ein Zuhörer zu mir:

„Sie spielen, als würden Sie Französisch sprechen.“

Diese Worte sind mir bis heute in Erinnerung geblieben.

Sprache, Kultur, Landschaft und Musik lassen sich nicht voneinander trennen.

Auch hinter der schönen Melodie eines berühmten, scheinbar vertrauten Werks verbergen sich die inneren Konflikte eines Komponisten, die Erinnerung an einen geliebten Menschen und die Trauer der Menschen seiner Zeit.

Wenn wir diesen Hintergrund kennen, kann ein Werk, das wir zu kennen glaubten, plötzlich ganz anders klingen.

Auch wenn ich zwischen den Stücken spreche, möchte ich weder Wissen vermitteln noch eine „richtige Art des Hörens“ vorgeben.

Ich möchte die Tür zur Musik ein wenig öffnen und jedem Menschen einen Ausgangspunkt geben, von dem aus er frei empfinden und sich etwas vorstellen kann.

Dorthin, wo Worte nicht reichen

Ich habe nicht nur in Konzertsälen gespielt, sondern auch in Krankenhäusern und Hospizen, sozialen Einrichtungen, Zentren für Menschen auf dem Weg aus einer Abhängigkeit, Einrichtungen für sehbehinderte Menschen sowie an Orten, an denen Menschen mit Erinnerungen an Krieg und Verfolgung zusammenkommen.

Dort habe ich Augenblicke erlebt, die ich nie vergessen werde.

Ein Mensch, der seine Gefühle lange verschlossen hatte, begann beim Zuhören zu weinen und lächelte schließlich.

Ein bettlägeriger Mensch öffnete während der Musik die Augen und wechselte Worte mit seiner Familie.

Ich glaube nicht, dass ich ein Wunder bewirkt habe.

Und ich glaube auch nicht, dass Musik alles verändern kann.

Trotzdem habe ich erlebt, wie Musik einen tiefen Ort im Herzen berührte, den Worte nicht erreichen konnten.

Manchmal erreicht Musik das Herz früher als Worte.

Nachdem Musik mich seit meiner Kindheit getragen hat, bestärkten mich diese Erfahrungen darin, nun selbst jemand sein zu wollen, der Musik zu anderen Menschen bringt.

Musik, die nur an diesem Ort und mit diesen Menschen entstehen kann

Musik verändert ihren Klang je nach dem Ort, an dem sie gespielt wird, und den Menschen, die dort sind.

Ich habe mit Künstlerinnen und Künstlern aus Malerei, Tanz, traditioneller japanischer Musik und Rezitation zusammengearbeitet.

Und ich habe nicht nur in Konzertsälen, sondern auch in Tempeln, Kirchen, Gärten, auf Campingplätzen und an vielen anderen Orten musiziert.

Deshalb möchte ich nicht überall dieselbe fertige Form mitbringen. Zunächst höre ich auf die Geschichte des Ortes, den Klang des Raumes und die Lebenswelten der Menschen, die dort zusammenkommen.

Auf dieser Grundlage gestalte ich Programm, Moderation und Inszenierung so, dass eine musikalische Zeit entsteht, die genau zu diesem Ort passt.

In Schulen und bei Outreach-Projekten ist mir nicht nur das stille Zuhören wichtig. Ich frage auch:

„Welche Landschaft entsteht vor deinem inneren Auge, wenn du diesen Klang hörst?“

„Welche Farben oder Tiere stellst du dir vor?“

Die eigenen Empfindungen dürfen dabei frei in Worten oder Bildern Ausdruck finden.

In der Musik gibt es nicht nur eine einzige richtige Antwort.

Jeder Mensch darf frei fühlen und denken – und zugleich wahrnehmen, wie jemand anderes empfindet.

Auch darin liegt für mich ein wichtiger Dialog, den Musik entstehen lässt.

Einen überlieferten Klang weitertragen

Heute spiele ich eine 1682 gebaute Nicolò Amati „Grand Amati“, eine Leihgabe über Atsumari.

Seit mehr als dreihundert Jahren wurde dieses Instrument von Hand zu Hand durch viele Epochen weitergegeben.

Diese Amati hat mich nicht allein wegen ihres schönen Klangs angezogen.

Sie trägt das, was ich ausdrücken möchte, tiefer und weiter.

Ich spürte, dass dieses Instrument eine besondere Kraft des Übermittelns besitzt.

Auf einem Instrument mit langer Geschichte spiele ich Musik, die Komponisten vor Jahrhunderten hinterlassen haben, und reiche sie an Menschen weiter, die heute leben.

Musizieren bedeutet auch, über die Zeiten hinweg die Empfindung eines Menschen mit einem anderen zu verbinden.

Als ein Teil dieser langen Bewegung möchte auch ich das Empfangene an den nächsten Menschen weitergeben.